Les fiches cinéma

Réalisation : Alessandro Blasetti

Scénario : Une douzaine de professionnels ont participé au scénario de ce film, aux côtés d’Alessandro Blasetti

Date : 1966

Titre original : IO,IO,IO et gli Altri

Durée : 95 mn

Acteurs principaux :

Gina Lollobrigida :Titta

Silvana Mangano : Silvia

Walter Chiari : Sandro

Vittorio De Sica : Commendatore Trepossi

Marcello Mastroianni : Peppino Marassi

Vittorio Caprioli : un politicien

SA

Mots clés : machisme – égoïsme – apparences – médiocrité - bêtise

Alessandro Blasetti a été un des promoteurs de la comédie italienne des années 60. Il est aujourd’hui moins connu que d’autres réalisateurs italiens, probablement par la qualité irrégulière de ses œuvres mais également par le fait qu’il a été un des rares cinéastes de la période mussolinienne. Il n’a pas récusé son engagement fasciste pendant de nombreuses années. Il a expliqué son retrait en raison de la politique colonialiste de l’Italie fasciste lors de l’envahissement de l’Ethiopie. Il a contribué à révéler des acteurs tels que Marcello Mastroïanni. Il était soucieux d’être proche des réalités, comme Rossellini. Il finira d’ailleurs sa carrière en produisant des documentaires.

L’intrigue de « Moi, moi, moi et les autres » se déduit aisément du titre. Le film est dépourvu de logique de progression par l’effet des trop nombreux scénaristes impliqués. Sandro, le héros, semble avoir au moins deux vies : l’une matrimoniale aux côtés de Gina Lollobrigida, ravalée au rang de coquette bourgeoise, l’autre comme soupirant manipulé d’une future star jouée par une Silvana Mangano, carriériste prête à tous les accomodements. Blasetti s’applique à illustrer le titre sur le mode comique. La critique morale des mœurs de la classe moyenne aisée de la société italienne se révèle courte, même si elle fait rire.

Le rire serait-il de « droite » ?

On peut se demander pourquoi un tel film à saynètes est produit aujourd’hui ? Il est, certes, représentatif d’une époque inconsciente, mais qui peut dire que la nôtre ne l’est pas tout autant, en pire ?

Il décrit avec un effet de grossissement lié au décalage (1966) le machisme italien et son complément : les habiletés manœuvrières des femmes d’une bourgeoisie superficielle. Les plus réactionnaires des messieurs d’aujourd’hui conviendront du bien-fondé de la contestation des femmes à être autre chose que des potiches apprêtées. Il est facile de relever que dans cette lutte des sexes d’un autre temps se retrouve la solitude fondamentale qui fait suite à l’absence d’élaboration de liens affectifs profonds. Aujourd’hui, la logique consommatrice est mieux partagée. Elle est aussi triste, une fois le rire dissipé.

Certaines scènes se dégagent d’une trame décousue. Le décodage des prières individuelles est exemplaire de petitesse. Sur le même registre, la confession d’un détournement de l’argent de la Sécurité sociale est très originale. La fervente gratitude de Vittorio de Sica échappant aux exécutions des anciens alliés nazis ne laisse place à aucune illusion sur son altruisme chrétien.

La superstition aurait-elle disparu aujourd’hui, à l’époque des paris en ligne ? Le préposé aux wagons-lits avoue sans honte à Sandro « qu’il ne pense qu’à ça », dans le couloir qui le sépare des dormeuses, mais qu’en est-il des amateurs des sites X ?

L’égoïsme d’un voyageur va jusqu’à vider les écuelles de fromage en poudre pour son plat de pâtes, au restaurant du train. Un politicien adopte des mines de circonstance selon la couleur politique des députés qu’il rencontre, pas après pas, après l’annonce de la mort d’un de ses rivaux. Une des séquences les plus cocasses est celle qui voit Sandro se désespérer de n’exprimer aucun chagrin à la mort de son cher ami, Peppino, qu’il a toujours méprisé en son for intérieur. Il lui faut un instant se mettre visuellement à la place du mort dans le cercueil encore ouvert pour s’émouvoir enfin. Sa récompense est immédiate : l’ensemble des femmes présentes, de la plus jeune à la plus rangée semble prêt à tout faire pour le consoler.

Le film a le mérite de nous mettre en garde contre les idéologies et les postures. Le rite qu’il provoque est sans recours et, de ce point de vue, l’absence de toute compassion, de toute espérance, peut le classer « à droite ». Peut-on le rattacher à l’alcoologie ? Certainement. Il suffit de considérer le niveau d’imposture, d’aveuglement et de bêtise, à l’échelle des individus et des soignants présents dans le champ de l’alcoologie. Il suffit de retourner le projecteur. A chacun de faire le tri, ensuite, et de dégager des attitudes et des pistes alternatives.

Réalisation : Roberto Rossellini

Scénario : Roberto Rossellini et collaborateurs, d’après la nouvelle éponyme de Stephan Zweig (1926)

Titre original : La Paura

Date : 1954

Durée : 83 mn

Acteurs principaux :

Ingrid Bergman : Irene Wagner

Mathias Wieman : Professeur Albert Wagner

Renate Mannhardt : Johan Schultze

SA

Mots clés : Peur – Culpabilité – Adultère – Chantage - Manipulation

Rossellini a transposé, après la seconde guerre mondiale, dans ce qui était alors la République Fédérale Allemande, une nouvelle de Stephan Zweig publiée en 1926. L’intrigue mélange ainsi une histoire singulière et un arrière-plan politique : celui de la reconstruction industrielle de l’Allemagne de l’Ouest, peu après la deuxième guerre mondiale. Le noir et blanc, l’ambiance oppressante de la ville, des phares de voiture et de la pluie renforcent le climat de peur créé par un chantage à l’adultère.

Irène Wagner s’est révélée une industrielle capable d’animer une entreprise consacrée à la recherche pharmaceutique. Son mari Albert, après sa libération comme prisonnier de guerre, a pu ainsi mettre en pratique ses talents d’ingénieur-chimiste pour créer de nouveaux médicaments, à partir d’une expérimentation sur des souris et des lapins. Irène a eu une aventure, dont elle veut se défaire, avec Eric, un célibataire au métier indéfini. C’est alors que surgit une inconnue, Johan Schulze, la précédente amie d’Eric, qui met en place un chantage. Irène tombe dans le piège et le cauchemard peut commencer.

Culpabilité et peur

La finesse de l’analyse des sentiments par Stephan Zweig est rehaussée par un scenario simple et efficace qui n’est pas sans faire penser à des films d’Hitchcock, l’humour en moins. Dans une première partie de l’histoire, le spectateur peut prendre la place d’Irène, fort bien jouée par Ingrid Bergman. Un chantage a été mis en place par une femme jalouse éconduite par un homme. Dans une Allemagne qui relance à peine son économie, il ne manque pas de personnages peu scrupuleux, prêts à tirer profit de toutes les situations. Le sentiment de culpabilité d’Irène, attachée à la fois à son mari et à ses deux jeunes enfants, l’empêche d’être d’emblée lucide.

Quand la rivale lui avoue, dans un sursaut de solidarité féminine, que tout a été manigancé par Albert, Irène pense se tuer avec le poison largement utilisé dans le laboratoire de recherche. Heureuse fin, le mari interpellé par l’ancienne maîtresse délaissée, arrive à temps pour empêcher le passage à l’acte fatal. Nous retrouvons la qualité de l’écriture de Zweig : il décrit des personnages aux prises avec des sentiments humains. Il ne les juge pas. Il ne les simplifie pas pour en faire des stéréotypes. Chacun garde une forme d’ambivalence. Chacun a en lui des ressources pour éviter le pire. L’éthique permet d’éviter la catastrophe.

L’alcoologie n’est pas sans lien avec l’évolution des personnages de ce roman. Personne n’est ni blanc ni noir. Les acteurs du système-alcool, les proches en particulier, ont aussi leur ambivalence. Irène peut être assez désespérée pour envisager de se supprimer par l’effet de la culpabilité et de la honte. La personne alcoolique croit aussi être dans l’impasse, après avoir épuisé ses ressources en mensonges. Il suffit parfois qu’elle « pose le verre » pour que l’horizon s’éclaircisse.

Sous l’effet de la jalousie, Albert recherche l’humiliation de sa femme en retour de sa propre humiliation. Le personnage de la fausse Johan Schultze, en réalité une petite actrice, Luisa Vidor, menacée par la pauvreté, est également intéressant. Schultz-Vidor, est d’abord animée par la vengeance : c’est elle qui a « vendu la mèche » à l’époux trompé. C’est elle qui met fin au chantage devant l’attitude de refus d’Irène. En alcoologie, il y a aussi un moment où le « héros » doit dire « stop » et se pardonner.

Réalisation : Roberto Rossellini

Titre original : Viaggio In Italia

 Scénario : Vitaliano Brancati, Roberto Rossellini

Date : 1954

Durée : 97 mn

Acteurs principaux :

Ingrid Bergman : Katherine Joyce

George Sanders : Alexander Joyce

Maria Mauban : Marie

Anne Proclemer : la prostituée

SA / HA

Mots clés : couple – communication – susceptibilité – désarroi – solitude

Voyage en Italie a le charme désuet des films restaurés, souligné par la « couleur locale". François Truffaut a pourtant pu écrire, à propos de ce film, qu’il était représentatif de l’entrée dans la Modernité. L’histoire est celle d’un couple d’anglais sans enfant, uni par les mondanités propres à leur milieu social. Alexander, campé par le so british George Sanders, et Katherine, jouée par Ingrid Bergman, font route vers Naples. L’objectif est de réaliser la vente d’une belle villa face à Capri, héritée d’un oncle défunt. Le couple n’a plus rien à échanger en dehors de propos plus ou moins blessants et amers. Katherine se lance dans des visites de musées ou de catacombes. Alexander s’étourdit en se rapprochant de femmes auxquelles il s’efforce de trouver un intérêt. L’un et l’autre manifestent ainsi leur désarroi et leur solitude. Le divorce semble inévitable. Un happy end inespéré va révéler la réalité de leurs sentiments, leur susceptibilité réciproque et leurs difficultés à communiquer.

La communication dans le couple

Les personnages sont touchants dans leur raideur et leur maladresse réciproques. Alexander est présenté comme un bourreau de travail. Katherine se vit comme une femme négligée. L’époux surjoue une froideur guindée et une politesse cynique. L’épouse essaie de donner le change mais sa colère, palpable, prend l’apparence du mépris. Le film peut être compris comme une longue querelle d’amoureux dont l’aveuglement pour leurs sentiments n’a d’égal que la force des reproches qu’ils s’infligent l’un et l’autre. Il faut la conjoncture ironique de l’émotion rattachée à la mise en évidence du moulage d’un corps calciné par les laves du Vésuve, à Pompéi, puis un embouteillage créé par une procession à Naples, pour que l’homme et la femme s’avouent la persistance de leur amour.

Pour la petite histoire, le spectateur relève que l’homme ne manque pas une occasion de consommer de l’alcool.

Ce film peut constituer une base de discussion pour faire réfléchir aux difficultés de communication dans un couple et sur la force des liens affectifs durables.